Musei Civici d'Arte Antica

Quattordicesimo appuntamento della rassegna "ospiti" :dal 18 dicembre 1999 al 20 febbraio 2000 il Museo Davia Bargellini presenta un presepe napoletano del Settecento, proveniente da una collezione privata di Bologna ben nota fra gli specialisti per i suoi oltre duecento ‘pastori’ di alta qualità. La ‘scarabattola’ della collezione bordoni costituisce, in formato ridotto, una testimonianza esemplare di un genere inedito e fortunatissimo di arte applicata nella Napoli tra la fine del XVIII e gli inizi del XIX secolo. La "fabbrica" del presepe coinvolse tanto abilissimi artigiani quanto artisti di grido: architetti, scenografi e pittori famosi per la costruzione dei fondali, scultori di professione e modellatori della regia fabbrica di Capodimonte per le figure, orefici per i ricchissimi e preziosi accessori furono infatti all’opera accanto ad artigiani specializzati nella produzione degli arti di legno - poiché solo la testa in terracotta dipinta era di competenza dello scultore - e nella ‘vestitura’ delle figure. Ma il presepe napoletano, fonte di stupore dei viaggiatori stranieri e di continua emulazione fra le famiglie aristocratiche e dei ricchi borghesi, fu anche strumento di espressione di una civiltà dal carattere spiccatamente laico e ‘cortese’. Il formato minore delle figure, l’ ostentazione di ricchezza, l’ attenzione per ogni aspetto della vita contemporanea, il carattere profano della messa in scena brulicante di comparse, di episodi minori, di particolari ormai lontani dal racconto evangelico caratterizzarono il suo sviluppo, marcandone le differenze dal presepe liturgico. Il presepe in esposizione, ricomposto in una teca del secolo XIX con il fondale originario, presenta l’ episodio centrale della natività, tradizionalmente modellato sulla base delle composizioni pittoriche tardo barocche di Solimena e De mura. Nella messa in scena, splendida per la cura dei dettagli e degli accessori (come gli abiti in gran parte originali, i cestini di vimini con la frutta in cera colorata, il turibolo in argento), si distinguono in particolare le figure realizzate da alcuni dei più noti scultori napoletani specializzati nel presepe: il ricco borghese di Lorenzo Mosca, la popolana dagli elaborati costumi tradizionali di Nicola Ingaldi, e l’asino sullo sfondo attribuito a Francesco Gallo. L’ esposizione di questa opera all’ interno del Museo Davia Bargellini permetterà anche un interessante raffronto con la diversa realtà del presepe bolognese della stessa epoca, rappresentato da celebri esemplari conservati nel museo, opera di Angelo Piò, Filippo Scandellari e altri -- presepe che rimase tuttavia un genere minore e "povero" nella storia della scultura locale rispetto alla raffinatezza ed alla "verità" di quello napoletano.

Tredicesimo appuntamento della rassegna ospiti con tre dipinti di Francesco Maffei (Vicenza 1600 ca.-Padova,1660) prestati alle Collezioni Comunali d’ Arte dai Musei Civici d’ Arte Antica di Trento.
Personalità fra le più affascinanti della pittura veneta del Seicento, Francesco Maffei (Vicenza c. 1605-Padova 1660) elabora il suo originale linguaggio coniugando lo studio della pittura veneziana del Cinquecento con la lezione più recente di Fetti e Liss. Nei tre bellissimi dipinti in esposizione, databili agli inizi della seconda metà del secolo XVII, che rappresentano scene con fanciulle ed eroine nella Bibbia e nella storia di Roma -- Ester e Assuero, la figlia di Jefte, la continenza di Scipione-- è bene esemplificata la maniera immaginosa, spregiudicata e franca che ne deriva, insieme all’ estro inventivo e teatrale, alle tessiture cromatiche preziose, alla prestezza esecutiva del maestro vicentino. Prima del loro trasferimento – insieme ad altri dipinti e arredi - al Castello del Buonconsiglio di Trento per disposizione del Ministero della Pubblica Istruzione nel 1949, i tre quadri erano inseriti nell’arredo dell’ ex Palazzo Ducale di Bolzano, uno dei più rappresentativi dell’ architettura regionale degli anni Trenta del Novecento.

Dodicesimo appuntamento della rassegna "ospiti": dal 27 novembre 1999 al 30 gennaio 2000 il Museo Civico Medievale, via Manzoni 4, presenta la mitria cosiddetta "di S. Isidoro", il più antico esemplare di questo tipo oggi conservato a Bologna presso il Museo di S. Stefano. La mitria, copricapo da cerimonia indossato durante le funzioni liturgiche solenni e simboleggiante il "sacerdozio" faceva parte degli oggetti riservati alle più alte cariche ecclesiastiche ed al papa. La tradizione vuole che il prezioso esemplare conservato a Bologna sia appartenuto a Isidoro, santo che, già ricordato dal IX-X secolo, riacquistò notevole fama dal 1141, quando il suo corpo venne rinvenuto nella chiesa dei SS. Vitale ed Agricola, all'interno del complesso stefaniano. Qui, verso la fine del Settecento si poteva ancora ammirare il reliquiario in rame dorato cosiddetto "del capo di S. Isidoro", di cui la mitria costituiva il sontuoso copricapo; in seguito staccata e racchiusa in un tabernacolo d’argento, essa veniva offerta alla pubblica venerazione insieme alle altre reliquie del santo durante le processioni solenni. L’ attribuzione di questa mitria a S. Isidoro è quindi strettamente legata alla storia del santuario che la conserva, anche se in realtà essa presenta caratteri stilistici più tardivi, che permettono di ipotizzarne la realizzazione attorno alla metà del XIV secolo, per i frequenti richiami allo stile della pittura, della miniatura e delle arti suntuarie di quel periodo. La mitria esibisce infatti raffinati elementi decorativi – come i ricami di perle di fiume accostate al blu intenso della seta ed ai castoni di pietre preziose non sfaccettate - che rimandano ad un ambiente internazionale fortemente influenzato dalla cultura d’ oltralpe e germanica. In particolare, si ritiene che quest’ opera possa provenire da una manifattura dell’ Italia meridionale, di ambito angioino, per gli evidenti raffronti con il consimile copricapo trecentesco conservato nella cattedrale di Amalfi. La mitria verrà esposta a fianco di miniature, sculture, sigilli, corredati di apparati informativi che permetteranno di ripercorrere la storia e l’ evoluzione di questo copricapo tra Medioevo e Rinascimento.

Sesto appuntamento della rassegna Incontri&arrivi in occasione della riapertura al pubblico delle Sale Rusconi delle Collezioni Comunali d’Arte dopo quasi dieci anni di chiusura per lavori di restauro e adeguamento funzionale, nell’ambito delle iniziative per "Bologna Città Europea della Cultura del 2000". L’ imponente sequenza di sei sale, parte del braccio cinquecentesco dell’appartamento invernale del Cardinal Legato, si presenta oggi con un carattere composito, sottolineato dall’allestimento presentato in occasione della riapertura.

Nei primi tre ambienti, che conservano tracce dell’originale decorazione cinquecentesca, è stato fedelmente ripristinato l’allestimento da "Museo arredato" ideato per questa ala nel 1935, e fondato sull’evocazione e la ricostruzione d’ ambiente, tipica della museografia del tempo.

Nei primi tre ambienti, che conservano tracce dell’originale decorazione cinquecentesca, è stato fedelmente ripristinato l’allestimento da "Museo arredato" ideato per questa ala nel 1935, e fondato sull’evocazione e la ricostruzione d’ ambiente.

Sono state invece ampiamente ripristinate le forme neoclassiche della decorazione delle ultime tre sale, risalenti con ogni probabilità al periodo giacobino e napoleonico, quando il palazzo pubblico, destinato a sede del direttorio della repubblica cispadana, fu oggetto di importanti interventi di riassetto decorativo e funzionale. L’ambiente più significativo di queste sale è la "Boschereccia", opera di Vincenzo Martinelli (1737-1807) e Giuseppe Valiani (1735-1807): una delle più importanti e suggestive stanze-paese largamente diffuse nella Bologna napoleonica, le cui pareti si aprono illusionisticamente su verdi spazi aperti, entro equilibrate ripartizioni spaziali che "regolarizzano" la natura secondo le tendenze del nuovo razionalismo classicista.
In questi ambienti oggi esposti quadri, mobili, cornici, specchiere barocche, ritrattini miniati sette-ottocenteschi del Lascito Rusconi, oltre a ritratti sette-ottocenteschi provenienti dal Collegio dei Nobili, alcuni dei quali opera di Angelo Crescimbeni (Bologna, 1708-1779), autore anche del ritratto della contessa Elena Marescotti in Marsili (1776), a pastello, recentemente acquistato dai Musei Civici d’ Arte Antica, ed esposto per la prima volta. Il carattere neoclassico delle ultime sale è sottolineato inoltre da dieci tempere su tela in allestimento temporaneo, appartenenti all’ importante complesso decorativo di palazzo Aldini-Sanguinetti in strada Maggiore, qui collocate a scopo conservativo durante i lavori di restauro del palazzo, recentemente donato alla città e destinato a sede del Museo della Musica.

Undicesimo appuntamento della rassegna "ospiti" dei Musei Civici d’ Arte Antica: dal 15 maggio al 25 luglio 1999 le Collezioni Comunali d’ Arte (palazzo del Comune, piazza Maggiore 6, 2°piano) presentano due splendidi dipinti del pittore genovese Gregorio de Ferrari (Porto Maurizio 1647 - Genova 1726): Noli me tangere e Cristo e la samaritana.

I due pendant, realizzati probabilmente nell’ ultimo decennio del Seicento ed oggi appartenenti ad una collezione privata genovese, rappresentano due episodi del Vangelo secondo Giovanni conformemente all'iconografia tradizionale: l’ apparizione presso il sepolcro del Cristo risorto alla Maddalena piangente (Noli me tangere) e l’ incontro al pozzo tra il Redentore e un’ adultera (Cristo e la samaritana).

I dipinti sono stati esposti per la prima volta al pubblico dopo un attento restauro in occasione della grande mostra sul Barocco genovese del 1992.
Autore tra i più significativi dell’ ambiente genovese tra Sei e Settecento, influenzato da Correggio e dalle "novità romane" introdotte dagli allievi del Bernini, de Ferrari esprime con particolare raffinatezza la sua particolare cifra stilistica in queste tele di grande valore decorativo. Le pose eleganti dei soggetti sono sottolineate dai sapienti panneggi delle vesti e dalla gestualità teatrale, particolarmente evidente nel movimento "danzante" della samaritana. Una ricchissima gamma cromatica di gialli, blu brillanti, rossi e rosa definisce le figure, che si integrano perfettamente nel paesaggio verde-bruno di cespugli e alberi ombrosi, rocce e montagne sullo sfondo di un cielo tutto giocato sui toni dell’azzurro. Di grande raffinatezza sono soprattutto il Cristo del Noli me tangere e l’ adultera di Gesù e la samaritana, entrambi illuminati da un fascio di luce in primo piano.

Dal 13 febbraio al 15 aprile 1999 presso il Lapidario del Museo Civico Medievale, via Manzoni 4 viene presentata la mostra tra le due sponde dell’Adriatico. La pittura nella Serbia del XIII secolo e l’Italia. L’esposizione che viene presentata contemporaneamente in tre diverse sedi emiliane (oltre al Museo Civico Medievale di Bologna, Casa Romei e la Pinacoteca di Ferrara) e verrà poi trasferita a Bari -- è organizzata dalla Galleria degli Affreschi del Museo Nazionale di Belgrado, dalle Soprintendenze ai Beni Artistici e Storici di Bologna e Ravenna e delle Puglie, con la collaborazione di diversi enti ed istituzioni italiani tra cui i Musei Civici d’Arte Antica di Bologna. In esposizione, le splendide copie su tela a grandezza naturale provenienti dal museo serbo-- degli affreschi duecenteschi a soggetto religioso di area bizantina collocati presso monasteri e chiese disseminati in tutta la Serbia, spesso in luoghi sperduti e difficilmente raggiungibili (Studenica, Prizren, Mileseva, Moraca, Pec, Sopocani, Gradac, Arilje). Nelle diverse sedi della mostra, agli affreschi serbi verranno affiancate opere, di proprietà dei singoli musei, che documentano il rapporto tra l’arte duecentesca italiana e la produzione bizantina ed orientale in genere: a Bologna, in particolare, verranno esposti i corali duecenteschi di San Francesco riferiti al maestro di Gerona, ed alcuni avori bizantini databili tra il X e il XII secolo, mentre a Ferrara verranno presentati gli affreschi di San Bartolo.

La galleria degli affreschi del Museo Nazionale di Belgrado è nata nel 1953 sull’esempio del museo dei monumenti francesi come grande centro documentario della storia dell’arte della ex Jugoslavia, attraverso la produzione e la raccolta delle copie degli affreschi e dei calchi delle sculture medievali, allo scopo di renderli accessibili sia agli specialisti che al vasto pubblico. L’attuale raccolta della galleria comprende 1200 copie di affreschi compresi fra il secolo XI e la metà del XV, oltre a copie di icone e miniature, a plastici di chiese, a circa 300 calchi di sculture medievali e di monumenti epigrafici. Tutte le copie, perfettamente fedeli agli originali per dimensioni, struttura e colore, sono opera di pittori accademici specializzati in questo tipo di riproduzioni.

Torna a Bologna, esposto al pubblico per la prima volta dopo tre secoli, il ciclo di sei tele con figurazioni del mito di Ercole realizzato nel 1690 per il nobile bolognese Francesco Ghisilieri. Il collezionista e mecenate, per l’occasione, lanciò un concorso, seguito dalla pubblica esposizione delle opere, tra alcuni dei migliori pittori della vecchia e della nuova generazione operanti a Bologna. Tra questi era il giovane Giuseppe Maria Crespi (Bologna 1665-1747), che sarebbe diventato uno dei più influenti caposcuola della pittura europea del Settecento, e che realizzò qui con il suo Ercole e Anteo uno dei suoi primi capolavori. Le opere vennero poi acquistate nel corso dell’Ottocento dalla famiglia trentina Thun ed esposte per oltre un secolo sotto false attribuzioni in una delle sale dell’imponente castello dei Thun a Vigo d’Anaunia; solo recenti indagini hanno permesso di ricondurle ad un ciclo unitario, che riveste un particolare rilievo nella storia della pittura bolognese. La mostra, già ospitata a Trento negli ambienti barocchi del Castello del Buonconsiglio, viene realizzata con la collaborazione della Fondazione Cassa di Risparmio in Bologna ed è accompagnata da un catalogo a cura di Elvio Mich con introduzione di Eugenio Riccòmini.
In concomitanza con la mostra, dal 19 gennaio fino al 2 febbraio è inoltre possibile visitare presso la caffetteria Morandi di Palazzo Comunale, l’esposizione Il concorso su un antico concorso, che presenta i risultati di un’originale iniziativa organizzata congiuntamente dalla Sezione Didattica dei Musei Civici d’Arte Antica e dal Liceo Artistico Francesco Arcangeli di Bologna. Ricreando il clima della competizione artistica promossa da Ghisilieri, gli allievi del liceo sono stati infatti invitati a realizzare, con tecniche tradizionali o innovative, una serie di opere, tutte incentrate sul mito di Ercole, proprio ispirandosi ai dipinti del ciclo Ghisilieri.

Dal 14 novembre 1998 al 17 gennaio 1999 le Collezioni Comunali d’ Arte presentano la Madonna della fruttiera, olio su tela del pittore genovese Valerio Castello (1624-1659), proveniente da una raccolta privata della città ligure. La mostra è realizzata nell’ ambito dell’ iniziativa "ospiti da Genova", che prevede la contemporanea presentazione, presso il Museo Medievale, dei bronzi monumentali realizzati da Alessandro Algardi per la chiesa di San Carlo. L a tela, nota agli studiosi da un quarto di secolo, ed esibita al pubblico per la prima volta solo sei anni fa in occasione della mostra sulla Genova barocca, appartiene alla produzione giovanile dell’ artista, una delle figure di maggior rilievo della pittura ligure del Seicento. Formatosi sui manieristi toscani, romani e genovesi, e sulle opere genovesi di Van Dick, Castello venne poi profondamente influenzato dalla pittura lombarda prima e da quella parmense --in particolare Correggio e Parmigianino -- poi, nel corso di un lungo viaggio di istruzione in quelle città. Proprio alle opere del Parmigianino- ed in particolare alla Madonna dal collo lungo, oggi agli Uffizi, ma che nel corso del soggiorno di Castello si trovava ancora a Parma, presso la chiesa dei Servi- è ispirata la Madonna della fruttiera, summa di citazioni soprattutto iconografiche dalle opere del pittore parmense, di cui vengono rievocate le maniere squisite con un delicatissimo tratto di pennello. L'opera genovese potrebbe anche essere una libera interpretazione, raffinata e delicatissima, del capolavoro del Parmigianino, in una rilettura assai personalizzata in cui le forme, pur mantenendo intatta la loro plastica consistenza, appaiono come filtrate ed immerse in un’ atmosfera soffusa, definite in maniera lieve e preziosa da una materia cromatica ricca, stesa a tocchi leggeri ed impalpabili velature. Le figure, prive di contorni netti, risultano così collocate in uno spazio profondo creato dai vari piani di luce, fra il primo piano costituito da un alto basamento architettonico e l’ampia e fluttuante tenda cremisi sullo sfondo.