Musei Civici d'Arte Antica

Per celebrare la ricorrenza del centenario della fondazione del Museo Davia Bargellini (30 maggio 1920), i Musei Civici d’Arte Antica, in collaborazione con la Fondazione Musei Civici di Venezia, organizzano una mostra dedicata all’arte del Settecento veneziano.

L’esposizione, curata da Mark Gregory D’Apuzzo, Massimo Medica e Chiara Squarcina, riprende una delle linee tematiche che avevano sostenuto il progetto museografico del fondatore e primo direttore del Museo, Francesco Malaguzzi Valeri. L’idea di rievocare il «fastoso Settecento», con il suo corredo di «ricchi mobili», «ori corruschi», oggetti legati alle abitudini di vita di cavalieri e dame affaccendati nei rituali della mondanità, aveva infatti guidato la sua scelta delle opere e aveva trovato riflesso nell’allestimento delle Sale, soprattutto del cosiddetto “Salone delle Feste”: «un mondo scomparso» poteva così «rivivere nell’immaginazione» dei visitatori.

La presenza nel patrimonio del Museo Davia Bargellini di numerose testimonianze frutto dell’abilità di ebanisti, vetrai, artigiani operanti nelle botteghe veneziane del Settecento – consoles, cornici, mobili, servizi da tavola in vetro di Murano, oltre al celebre Teatrino delle marionette – ha motivato la progettazione della mostra, che vede confluire nelle Sale del Palazzo senatorio di Strada Maggiore preziose opere conservate presso il Museo di Palazzo Mocenigo (Centro Studi di Storia del Tessuto e del Costume): dal Museo veneziano giunge una selezionata campionatura di modelli d’abbigliamento e accessori della moda sia femminile che maschile (abiti, calzature e copricapi d’epoca), che documenta il fasto della società laica, ma anche la solennità del potere ecclesiastico (pianete), rappresentato da paramenti sacri di raffinata manifattura tessile prodotti nella Serenissima.

Alcuni dipinti di Pietro Longhi e della sua scuola restituiscono infine l’immagine più autentica della vita quotidiana del patriziato veneziano, colto anche nella sua dimensione domestica: la presenza di “scene di costume” del pittore veneziano illustra, con sensibilità per il “vero” affine a quella del coevo commediografo Carlo Goldoni, la “piacevolezza del vivere”, che fu specchio dei tempi.

Il principio dell’“ambientazione”, adottato da Malaguzzi Valeri nell’allestimento del Museo con l’obiettivo di facilitare la comprensione delle opere all’interno del loro contesto, viene seguito anche in questa mostra. Quasi a rianimare un passato trascorso, i costumi giunti in prestito dal Museo di Palazzo Mocenigo dialogheranno infatti con le opere appartenenti alle raccolte museali bolognesi, fra le quali si intende porre in prima evidenza soprattutto mobili e oggetti di lusso di produzione veneziana: anche ai visitatori di oggi «par[rà] così meno difficile rievocare l’andirivieni antico delle dame agghindate e dei gentiluomini in spadino», come avrebbe voluto Malaguzzi Valeri.

Per vedere i videoclip dedicati alla mostra clicca QUI

Il dialogo tra le opere della collezione del Museo Civico Medievale e i lavori di uno scultore contemporaneo, già felicemente proposto negli anni scorsi attraverso le mostre dedicate a Carlo Zauli, Bruno Raspanti e Martino Genchi, prosegue con l’esposizione di 17 sculture di Piergiorgio Colombara. La mostra, che reca il titolo “Le stanze le opere”, presenta un esauriente panorama della produzione artistica di Colombara, caratterizzata dall’uso combinato di molteplici materiali (bronzo, ottone, rame, ferro, ceramica, vetro soffiato, corda, cera e inserimenti si antichi manufatti) e da una perenne ricchezza simbolica (compresa la frequente allusione a strumenti musicali), conseguita attraverso una costante reinterpretazione dell’antico e di alcune esperienze del surrealismo, una tensione all’assoluto e a quella levità cara a Italo Calvino e a Fausto Melotti. In alcune delle sale del Museo, nel loggiato e nel cortile interno il dialogo tra le opere contemporanee di Colombara e gli esiti della creatività di secoli fa si dispiega in una ricchezza di rimandi che intrigano e affascinano il visitatore, confermando l’intuizione di Francesco Arcangeli nella prima lezione da lui tenuta al corso di Storia dell’arte medievale e moderna all’Università di Bologna nel 1970: “[…] per me non esiste una differenza sostanziale nel metodo di approccio all’arte antica e all’arte moderna. […] è l’occhio che resta arbitro e dell’opera antica e di quella moderna”.

Piergiorgio Colombara è nato a Genova nel 1948. Frequenta il Liceo Artistico Barabino e la Facoltà di Architettura di Genova, dove si laurea nel 1974. Negli anni settanta e all'inizio del decennio successivo il suo interesse è volto prevalentemente alla pittura; dal 1985 si dedica pressoché esclusivamente alla scultura e al disegno. Ha partecipato manifestazioni internazionali, quali la Biennale di Venezia (1993, 2009, 2010), e ha tenuto mostre personali in musei pubblici e gallerie dell’Europa, degli Stati Uniti d’America e di molti altri Paesi.

In occasione della mostra, viene pubblicato un catalogo (46 pagine e numerose illustrazioni delle opere collocate nelle varie sale del Museo), con testi di Giacomo Rossignotti, Sandro Parmiggiani (“Conversazioni al Museo”), Flavia Motolese (“Il racconto della mostra”).

La mostra Spirti impietrati a cura di Alberto di Giorgio Martini interpreta le sculture delle Collezioni Comunali d’Arte, dà voce a un visitatore speciale, che partendo dalla fotografia ha narrato la sua Storia con il museo. L’artista da anni fotografa i monumenti e le opere più suggestive di Bologna, incluse quelle delle Collezioni Comunali d’Arte, soffermandosi sui particolari o sui contrasti tra luci e ombre. Da questa esperienza e dalla passione per la sperimentazione di diverse tecniche di sviluppo, nascono le opere uniche esposte nella mostra, 18 stampe a mano su carta baritata di pellicole piane 4x5’’, con le quali sono state fotografate alcune sculture del museo.

I Musei Civici d’Arte Antica, in collaborazione con la Fondazione Cassa di Risparmio in Bologna, e grazie al sostegno di Renzo Zagnoni e dell’Associazione Nuèter, organizzano presso il Museo Davia Bargellini una mostra centrata sul progetto di Giulio Casanova per il Camino dei Fenicotteri, che oggi orna un interno della Rocchetta Mattei sull’Appennino bolognese. Realizzato in maiolica dalla celebre ditta bolognese dei Minghetti, il camino fu oggetto di un particolareggiato disegno preparatorio, conservato nella raccolta del Museo Davia Bargellini, che è il fulcro dell’esposizione, curata da Paolo Cova, Mark Gregory D’Apuzzo e Ilaria Negretti: un caso eclatante, ma poco noto al grande pubblico, che può quindi offrire la testimonianza della migliore produzione creativa della società Æmila Ars, fondata nel 1898 dal restauratore e letterato Alfonso Rubbiani col supporto del conte Francesco Cavazza, con l’intento di promuovere l’industria artistica locale, sull’esempio del movimento delle Arts and Crafts, animato in Inghilterra dall’artista William Morris.

Esposto accanto alla riproduzione fotografica del camino, lo studio grafico, in penna e inchiostro, rifinito in acquerello, è affiancato da altri importanti disegni dei primi anni del Novecento, per progetti di mobili, di ceramiche, di motivi ornamentali. Invenzioni dunque di design liberty, acquistati dal Comune nel 1937 e oggi parte delle collezioni Davia Bargellini, di mano dei più celebrati protagonisti dell’Æmilia Ars – i fratelli Giulio e Achille Casanova, Giuseppe De Col – che diedero vita ad una stagione di apertura internazionale per Bologna, riconosciuta dalla critica coeva, come dimostra il successo riscosso alla Prima Esposizione Internazionale di Torino del 1902. Oltre ai progetti grafici, fanno parte del percorso di mostra i ferri battuti del museo, dal Cancello dei Melograni, ideato da De Col e realizzato da Pietro Maccaferri, ai prodotti della Ditta di Sante Mingazzi, noto per il virtuosismo nella riproduzione dei fiori, tanto delicati da sembrare sul punto di muoversi leggeri al soffio del vento (De Morsier). Il percorso dell’esposizione si prolunga idealmente fino alla Rocchetta Mattei di Riola nel Comune di Grizzana Morandi, dove, in via del tutto eccezionale e solo per la durata della mostra, il pubblico verrà accompagnato alla scoperta del Camino dei Fenicotteri, nella speranza che le recenti ricerche favoriscano il suo restauro e la sua pubblica fruibilità.

La mostra organizzata presso il Museo Civico Medievale, in collaborazione con la Curia Arcivescovile di Bologna, l’Università di Bologna e la Fondazione Giorgio Cini di Venezia è incentrata sull’affascinante e poco studiata produzione scultorea a Bologna tra XII e XIII secolo. L’esposizione, curata da Massimo Medica e da Luca Mor, è l’occasione per presentare per la prima volta alcuni rarissimi capolavori lignei della città, alcuni dei quali restaurati per l’occasione.

Tali opere, principalmente grandi crocifissi, consentiranno di fissare una nuova tappa verso la comprensione dei modelli di riferimento nella Bologna di quel tempo. Qui, del resto, il Medioevo fu animato da un fiorente clima multiculturale, favorito sia dalla posizione strategica della città sulla Via Emilia, quindi tra gli Appennini e le direttrici verso l’Oltralpe, sia per la nascita nel tardo XI secolo di una celebre scuola giuridica.

Una realtà così cosmopolita garantì un impulso costante per i contatti internazionali, l’indotto dei commerci, lo sviluppo urbano e, non ultime, le commissioni artistiche, tra cui quelle di arredi liturgici e tesori ecclesiastici destinati a soddisfare le crescenti esigenze devozionali. Oggi però di questi manufatti rimane assai poco, come documenta la scultura lignea medievale che, anche a causa della deperibilità del materiale, a Bologna conta soltanto pochi esempi secondo una tendenza che accomuna tutti i grandi centri italiani.

Ciò rende ancora più emblematico il valore delle testimonianze locali superstiti che per lo più si caratterizzano di esempi monumentali di elevata qualità esecutiva. Basti menzionare il superbo gruppo della Crocifissione che campeggia nella Cattedrale di San Pietro (tra i più antichi in Italia ancora completi delle figure dei Dolenti), del tutto isolato nel panorama emiliano-padano ed esito credibile di una bottega alpina itinerante specializzata nella lavorazione del legno che realizzò l’opera entro 1184, anno di consacrazione della nuova chiesa avvenuta alla presenza di papa Lucio III.

Nell'ambito di Art City 2020 Bologna il Museo Civico Medievale propone Traces di  Ibrahim Ahmed, Evgeny Antufiev, Silvia Camporesi, Kaarina Kaikkonen Giovanni Kronenberg, Beatrice Pediconi, Nazzarena Poli Maramotti a cura di Marina Dacci.

La mostra presenta una selezione di opere di sette artisti del nostro tempo che inscrivono nella loro ricerca l'idea di traccia. L'esplorazione del tema si sviluppa in varie direzioni: architettonico-naturalistica, storica, sociale e relazionale.
Intervenire in uno spazio storico apre un ventaglio di possibilità immaginative perché il suo patrimonio diviene al tempo stesso traccia e indizio per ricucire nuove possibilità, nuove visioni.
Le opere degli artisti invitati si ancorano ai cabinet e alle raccolte ordinate di artefatti medioevali e rinascimentali nelle sale del museo, ai frammenti e ai lacerti di antiche mura, a lapidari e sarcofagi, con un approccio basato sull'assonanza o sullo scarto visivo.
Nel lavoro di questi artisti le tracce originano dalla ricerca, ma anche da esperienze che si innestano nella cronaca quotidiana.
La storia che punteggia il percorso di un gruppo sociale o di un nucleo familiare diventa pattern, elemento moltiplicatore di forme e materiali che sbocciano l'uno dall'altro coinvolgendo frammenti di forte valenza sociale (Ibrahim Ahmed, Kaarina Kaikkonen).
Alcuni artisti invitati hanno a che fare con l'acqua come elemento ispiratore e come medium in sé. Il valore simbolico dell'acqua, nella sua dimensione trasformativa, è cosa nota. Grazie all'acqua, riattivare e fare emergere una immagine significa destrutturare, pulire, sottrarre per poi restituire qualcosa di nuovo (Beatrice Pediconi, Nazzarena Poli Maramotti, Silvia Camporesi). Il rapporto e l'esperienza della Natura e del paesaggio - siano essi naturali, ma soprattutto antropizzati, sia terreni ma anche "ultraterreni" - conduce a travalicare il confine tra il reale e l'immaginifico che l'artista impiega per generare immagini e per trasformare oggetti (Giovanni Kronenberg, Evgeny Antufiev, Silvia Camporesi, Nazzarena Poli Maramotti). Da un lato questo racconta della fascinazione manipolatoria che l'artista subisce in relazione alla materia, dall'altro quanto lo stesso percorso creativo si muova in base ad assonanze e memorie personali che conducono a risultati formali inaspettati.

In questo processo passato (storia e esperienza soggettiva), presente (processo creativo in atto) e futuro (capacità di generare il nuovo) si mescolano e si ricompongono, azzerando il concetto di tempo lineare.
L'opera d'arte ha a che fare con pensieri rizomatici e con energie circolari.
Il mistero pervade in potenza ogni oggetto, ogni materiale, ogni reperto e può e dovrebbe condizionare il nostro sguardo sul mondo e su noi stessi.

Nell'ambito di Art City 2020 il Museo Davia Bargellini propone Via libera per volare, un progetto di Antonello Ghezzi, con la partecipazione di Luigi Mainolfi a cura di Manuela Valentini e Olivia Spatola.

Abbiamo un infinito bisogno di sognare. Abbiamo così tanto bisogno di arte che ci aiuti a farlo, perché spesso ce ne manca il coraggio.

Il centenario della nascita di Gianni Rodari sembra arrivare esattamente per ricordarci questa necessità dell'uomo. Via libera per volare, è un progetto del duo artistico bolognese formato da Nadia Antonello e Paolo Ghezzi – in arte Antonello Ghezzi – che si aprirà al Museo Davia Bargellini il 21 gennaio alle ore 17,30 - e a seguire nelle altre sedi diffuse della mostra - durante l'ottava edizione di ART CITY Bologna - il programma istituzionale di mostre, eventi e iniziative speciali promosso dal Comune di Bologna, in collaborazione con BolognaFiere in occasione di Arte Fiera (dal 24 al 26 gennaio).

Via libera per volare si avvale anche della collaborazione di Chiara Belliti, Silvia Evangelisti e della  Galleria ME Vannucci di Pistoia.

Il progetto è a cura di Manuela Valentini e Olivia Spatola in collaborazione con Istituzione Bologna Musei | MAMbo | Museo Davia Bargellini, nell'ambito dei Main project ART CITY Bologna 2020 ( in occasione di Arte Fiera) e con l’Associazione Culturale Legati al Filo e con la Casa delle Culture di Casalecchio sul Reno; il progetto si avvale  del prezioso supporto di La Semaforica, Datalogic S.r.l, Threestones Capital e Vetreria San Martino.

Semafori blu sparsi in città, saranno immaginifiche postazioni di volo, satelliti del cuore della mostra di Palazzo Davia Bargellini dove il semaforo per sognare sarà in dialogo con la collezione permanente del museo e con l’opera del maestro post-concettuale Luigi Mainolfi "Per quelli che volano".

Inoltre, i magici semafori blu verranno dislocati in punti nevralgici del centro di Bologna creando delle vere e proprie “postazioni di volo”: tra queste, non poteva mancare l’Aeroporto Guglielmo Marconi, Palazzo d’Accursio, cuore della vita economica e culturale cittadina, Palazzo Davia Bargellini, il  Policlinico di Sant’Orsola grazie alla collaborazione con la Fondazione Policlinico Sant’Orsola, e la  Casa delle Culture di Casalecchio sul Reno.

L’allestimento nel museo di Strada Maggiore è inteso dagli artisti come un susseguirsi di indizi che piano piano svelano il segreto della loro essenza: specchi che mandano segnali, nuvole leggere sospese tra cornici antiche e ridondanti, luci blu come il colore del cielo.

Finché a palesarsi è l’intento auspicato dal semaforo di Gianni Rodari: “prestare” alle persone gli occhi per vedere i segnali che l’arte cerca di trasmetterci.

Chi crede nelle favole, non è ancorato all’asfalto della strada, ma è capace di volare con la fantasia. L’insegnamento di Rodari viene preso alla lettera dagli artisti. Il valore della fantasia, che il cielo rappresenta, e per loro forma di realtà.

Il sogno rende la vita migliore e la capacità di volare è un privilegio che gli adulti spesso perdono e che gli artisti invitano a perseguire, aiutati dal loro lavoro, quale vettore per un oltre della mente e della fantasia.

Poche sono le istituzioni di origine medievale ancora esistenti, che mantengono le stesse funzioni e la stessa struttura. A Bologna è attiva dalla prima metà del XII secolo la Compagnia dei Lombardi, nata per difendere gli interessi e dare sostegno a famiglie originarie della Langobardia major. Nel corso dei secoli furono aggregati alla Compagnia prestigiosi esponenti della società bolognese ed ancora oggi i ‘Lombardi’ portano avanti questa tradizione e custodiscono un importante patrimonio culturale, composto dai documenti del ricco archivio e da un’interessante raccolta di dipinti. Per far si che alcune opere di particolare pregio possano essere fruite da un pubblico più vasto e per rendere maggiormente nota la propria realtà, la Compagnia ha deciso di depositare presso i Musei Civici d’Arte Antica di Bologna quattro tavole della fine del XIV secolo, dipinte da Simone di Filippo detto ‘dei Crocifissi’, e altre quattro realizzate da Giovanni da Modena verso la metà del XV secolo, tutte raffiguranti santi e sante verso i quali era viva la devozione cittadina. Questi otto capolavori della pittura gotica e tardogotica bolognese, appartenuti un tempo a due polittici di discussa provenienza, sono presentati in questa mostra - assieme a documenti che raccontano la storia della Compagnia -, e al termine rimarranno visibili nelle sale delle Collezioni Comunali d’Arte.